La fine del XIX e l'inizio del XX secolo fu un periodo di ricca crescita culturale per la Russia. Mentre l'impero si espandeva, l'anima russa si rivolgeva verso l'interno. Artisti, musicisti e scrittori furono affascinati dal loro passato semi-leggendario, l'era della Rus'. Ciò portò alla crescita di un nuovo tipo di cultura – interamente occidentale nella tecnica, ma antica russa per ispirazione. Tale cultura fu anche l'araldo dell'inizio di una breve, ma brillante, rinascita dell'Ortodossia tradizionale in tutte le classi sociali.
Uno dei più grandi artisti di questo tempo fu Mikhail Nesterov, probabilmente meglio conosciuto per ilsuo quadro Il giovane Bartolomeo.
Quello che segue è parte di un esame della vita e del lavoro di Nesterov, adattato da un articolo in russo nella rivista Foma (qui si può leggere l'originale).
Un monaco nel cuore?
Nesterov
Nesterov era affascinato dai monaci, dalla vita monastica, dagli eremi, dagli schimamonaci e dalle spose di Cristo. Dietro a tutti questi dipinti, sembra di vedere un uomo pensoso che si adatta con difficoltà al mondo caotico. In realtà, nulla potrebbe essere più lontano dalla verità. Alexandre Benoit, egli stesso un artista famoso, ha detto quanto segue riguardo all'artista: "Nesterov, torturato dalla vita, aveva una complessa e tortuosa personalità. Aveva un temperamento appassionato, emozioni implacabili, e una volontà che rifiutava di essere messa da parte.
Allora, da dove sono venute le immagini di profonda contemplazione e monachesimo?
Nesterov stesso risponde:
"Ho cercato un rifugio tranquillo nell'arte, nei temi dei miei dipinti, nei miei paesaggi e nelle mie immagini. Vi ho trovato riposo e forse ho dato consolazione a coloro che cercavano il riposo con me. Io, un uomo inquieto, pensavo di trovare la calma nei miei quadri, che sono così poco simili a me."
Nesterov si sforzò di trovare il cuore pacifico di una vita pura. Cercò la tranquillità e la pace dei suoi monaci ed eremiti che erano giunti a sapere per esperienza quanto sia buono e luminoso vivere nella pace di Dio.
Fortunatamente, Nesterov ha evitato il destino di Gogol' e di molti altri scrittori e artisti che erano veramente pii, ma tragicamente maledetti dalla capacità di scrivere o dipingere solo immagini oscure o grottesche. Il dono di Nesterov era il contrario:
"Come artista ero attratto verso i personaggi positivi. Mi sembrava che la nostra letteratura e l'a nostra arte avessero prodotto abbastanza persone che si sono fatti un nome disonorando se stessi e la loro patria".
Il suo quadro L'eremita esplora questo tema, il tema della "Santa Rus'," come vista da Nesterov. Questo quadro fu esposto nel 1889.
Qualsiasi cittadino impegnato sembra essere eccessivamente rumoroso e ansioso accanto a questo vecchio pacifico, in piedi vicino a un tranquillo lago e a boschi sonnolenti. L'eremita di Nesterov si basa su padre Gordej, monaco della Lavra della Trinità e di san Sergio. Egli non conosceva personalmente il monaco, ma lo notò mentre serviva. Padre Gordej stava sempre nello stesso posto, e i suoi occhi e il suo sorriso erano simili a quelli di un bambino, brillanti, come una carezza.
Questa verisimiglianza ha sempre dato ai dipinti di Nesterov una certa qualità viva, e gli ha impedito di vagare troppo lontano nelle "ricchezze infinite" dell'immaginazione. È interessante notare che questo dipinto è diventato un modello per molte icone di san Serafino di Sarov, che fu canonizzato non molto tempo dopo che questo quadro aveva guadagnato popolarità. Anche il paesaggio di questo dipinto è riprodotto nelle icone di san Serafino – lo stesso albero di abete, lo stesso cespuglio di sorbo.
Questo dipinto rese famoso Nesterov. Il famoso collezionista d'arte Pavel Tret'jakov lo acquistò per la sua galleria e Nesterov è divenne un nome familiare.
Un patriota afflitto
La famiglia di Nesterov era pia e patriarcale. Era una famiglia di commercianti di Ufa. Nelle memorie di Nesterov troviamo alcune affascinanti immagini della vita quotidiana del tempo. Una notte prima di Natale, dopo che i cantori di carole erano venuti e andati, Nesterov (che era già un famoso artista) aiutò la sua famiglia a creare un presepe vivente. Nella parte inferiore della mangiatoia, mise una lampada che dava l'illusione di una luce che fluisce dal bambino Gesù. I servitori ricoprirono i ruoli nella "pittura". Poi furono invitati i figli dei vicini. Tutti si fermavano a bocca aperta alla vista del presepe vivente.
Un'altra scena che descrive è un viaggio invernale su una slitta per visitare alcuni amici dall'altra parte di Ufa. Era una sera in cui "la polvere di neve inzuppava il viso, quando il mio cappotto di pelliccia era coperto di bianco. Tutto intorno vi era un'oscurità congelata. In qualche modo era tranquillo e triste allo stesso tempo..." Allora, un samovar, del tè, lunghe conversazioni presso il fuoco...
Leggendo le sue parole, non si può fare a meno di credergli quando afferma che ogni volta che viaggiava all'estero per una mostra non vedeva l'ora di tornare a casa in Russia:
"Io attraverserò con gioia il confine della Russia. Ecco la mia stufa russa, la mia chiesa russa. Tutto è mio, caro e amato. Comincio a piangere. Quanto ho sempre amato il nostro miserabile, sviato, ma grande paese! Che il Signore lo conservi sempre!"
La sua famiglia, la bellezza quotidiana della sua vita a Ufa, fu il lievito del resto della sua vita. Cercò sempre di mettere da parte tutto ciò che era di uno spirito diverso, sia negli sforzi creativi che nella sua vita. Non si permise mai di cadere in preda a quella che egli chiamò "l'infezione mortale dell'intelligentsia russa" – lo scetticismo.
Alla fine del XIX secolo, quasi nessuno in Russia credeva nel positivismo utopistico progressista dell'Europa di quel tempo. La gente era preoccupata da paure apocalittiche, e praticamente sentiva l'odore di una tragedia imminente. Il poeta Aleksandr Blok ha descritto lo stato spirituale di quel tempo in queste parole:
"Ci sono sempre meno persone intelligenti che trovano la loro salvezza nei principi positivi della scienza, dell'azione sociale, dell'arte... La gente ha bisogno di qualche principio diverso e più esaltato nella vita. Dal momento che questo non esiste, lo sostituiscono con la ribellione e l'iniquità, a cominciare dalla volgarità blasfema dei decadenti e finendo con l'autodistruzione aperta e immorale, la depravazione, l'ubriachezza, il suicidio in tutte le sue forme".
Per sua stessa ammissione, Blok era uno di questi: "Sì, amo l'estetica, l'individualismo e la disperazione. In breve, sono uno dell'intelligentsia".
Nesterov è lontano da questo eccesso decadente, dalla mancanza di fede, o da qualunque tipo di "estetica" dell'inutilità e del caos dell'arte moderna (anche se il suo stile è abbastanza moderno per il suo tempo). Secondo le sue parole:
Non ho amato, e continuo a non amare, gli argomenti riguardanti "i nostri tempi", sia sociali, sia soprattutto politici. L'arte ha una propria sfera d'influenza sull'uomo. È chiamata a preservare l'anima dell'uomo, a non permettergli di inquinarsi con la sporcizia della vita quotidiana. L'arte è simile alla preghiera".
Il momento del miracolo
La visione del giovane Bartolomeo fu esposta nel 1890. L'apparizione di questo dipinto divenne un evento culturale. Ognuno ne parlava, e molte persone ne erano molto critiche. Nesterov si era accinto a tentare qualcosa di molto difficile – dipingere un miracolo. Un momento in cui il cielo è così vicino alla terra, in cui irrompe così chiaramente nella vita dell'uomo. Doveva mostrare questo evento come terreno e reale, e tuttavia rivelare una realtà esaltata. Il più piccolo errore, e sarebbe inciampato nel regno del ridicolo.
L'evento dipinto da Nesterov viene dall'antica Vita di san Sergio, scritta dal discepolo di san Sergio, Epifanio il Saggio, che visse con il santo negli ultimi anni della sua vita. Il futuro san Sergio, il giovane Bartolomeo, aveva un innato amore per l'apprendimento, ma aveva difficoltà a imparare a leggere. Pregò Dio in silenzio con lacrime perché lo aiutasse a imparare a leggere.
Un giorno, suo padre lo mandò a trovare un puledro che si era perduto (una storia con chiari paralleli alla ricerca biblica di Saul per le sue greggi perdute). Nel mezzo di un campo, sotto una quercia, il giovane incontrò un monaco anziano. Il vecchio stava in preghiera e piangeva. Poi cominciò a parlare con il giovane e gli chiese cosa stesse cercando. Bartolomeo rispose che voleva imparare a leggere. Il monaco pregò di nuovo, poi prese un pezzo di prosfora da una scatola e lo diede al giovane con le parole: "Accettalo e mangialo, poiché ti viene dato un segno della grazia di Dio e della conoscenza della Sacra Scrittura".
Dopo che lo ebbe mangiato, il monaco aggiunse: "Non preoccuparti per la lettura. Da questo giorno il Signore ti dà il dono dell'apprendimento". E così fu.
Il modello di questa pittura fu una ragazza contadina del villaggio di Komakino, non lontano dalla Lavra. Era una ragazza malaticcia con l'azzurro delle sue vene chiaramente visibile sul viso. Le sue mani erano nervose e magre, perfette per raffigurare un'immagine di futuro ascetismo. Solo un giovane già in qualche modo "in un altro mondo" poteva vedere qualcosa che non era un'allucinazione, né una fantasia, ma una visione.
L'anziano personifica l'idea dell'eternità che misteriosamente appare nel tempo. Nesterov cerca di descriverlo con l'estremo dettaglio delle mani, dell'abbigliamento monastico e del kukol (il copricapo dello schimamonaco). Questi sono dettagli che ancorano lo spettatore nel reale, nell'attuale. Solo il nimbo e il fatto che egli sembra galleggiare di fronte al giovane danno il senso che sta accadendo qualcosa di soprannaturale. È interessante notare che la scatola che tiene il pane sembra una chiesa – una profezia della futura vocazione del ragazzo.
Il giovane è una sorta di "vaso puro". La riverenza delle mani congiunte, gli occhi ampi e attenti, mostrano che non sta semplicemente ricevendo il dono della conoscenza, ma la conoscenza delle Sacre Scritture, come afferma la Vita. Anche nel bambino, vediamo uno scorcio del venerabile monaco Sergio.
Alexandre Benoit ha visto in questo dipinto una sorta di "terrore incantevole del soprannaturale", qualcosa che era allo stesso tempo totalmente viva, eppure in un mondo diverso. Forse terrore è la parola sbagliata. Invece, abbiamo una rappresentazione incredibilmente sottile della presenza del mondo superiore nel mondo inferiore. Anche i dettagli della natura, del paesaggio, sono offerti come un'immagine dell'immensa terra russa, tenuta nella mano del Signore.
Anche Tret'jakov acquistò questo dipinto, contro il parere di alcuni critici che lo consideravano "misticismo dannoso, mancanza di realismo, quel cerchio sciocco intorno alla testa del vecchio..." (come Nesterov stesso ricordava la critica).
Naturalmente, il "misticismo dannoso" è esattamente quello che Nesterov aveva cercato di evitare in tutti i suoi dipinti. Secondo le sue stesse parole,
"Il cosiddetto misticismo nell'arte è qualcosa che ritengo un rifiuto dei movimenti misteriosi, appena percepibili, della nostra anima, delle sue emozioni musicali e mistiche che la purificano da ogni contaminazione. Non sopporto il misticismo, nemmeno il misticismo religioso. È una cosa malata che perverte lo spirito".
Dopo Bartolomeo, decise di continuare il ciclo della vita di san Sergio. Per lui, san Sergio era "l'uomo migliore dei primi anni della Rus'." Benché fossero passati sei secoli dalla sua morte, era ancora spiritualmente vicino ai pii russi. Nesterov sentì profondamente questa connessione spirituale, questa coesistenza di persone che vivevano secoli a parte sulla stessa terra russa.
Questi dipinti non godettero della stessa popolarità di quelli precedenti, anche se furono inclusi nella galleria Tret'jakovskaja dopo la morte dell'artista.
Questo ciclo di dipinti mi ha ispirato sin dall'infanzia. Il Sergio dipinto da Nesterov è tanto più ampio della vita che sembra essere più di san Sergio, ovvero una specie di simbolo per il monachesimo russo in generale. Le caratteristiche fisiche del vecchio Sergio nel trittico hanno ispirato un personaggio secondario (ma molto importante) di nome Tarin nel mio primo romanzo. The Song of the Sirin:
Colui che parlava era un vecchio con una barba nera riccia e opaca irregolarmente striata di grigio. La sua testa era un turbinio di scintille bianche che sprizzavano da sotto un copricapo nero intrecciato. Il suo volto era notevolmente privo di rughe, i suoi occhi innocenti e infantili. Indossava un modesto indumento grigio, e scarpe grezze intrecciate di corteccia d'albero sbucavano da sotto all'orlo strappato. Teneva in mano un bastone in legno scuro con una traversa ricurva in cima. Mentre si avvicinava alla vecchia, posò le mani sulla traversa.
Tarin combina il tradizionale look monastico russo con la "santità folle" altrettanto tradizionale. È uno dei miei personaggi preferiti e i lettori continuano a dirmi quanto lo apprezzano.
Diviso tra due passioni
Mikhail Nesterov era, per molti versi, un ponte. Colmò il divario tra i secoli XIX e XX, tra la Russia tsarista e quella sovietica, tra il tradizionale e il moderno. Continuiamo a esplorare la sua arte, in particolare i suoi tentativi di rappresentare argomenti esplicitamente biblici e iconografici.
Il rapporto di Nesterov con i suoi genitori fu sempre pieno di fiducia. Tuttavia, una volta si trovò costretto ad andare contro la volontà dei suoi genitori. Si innamorò. La sua sposa scelta, una certa Maria Ivanovna Martynovskaja, proveniva anche lei da Ufa, ma da una famiglia povera.
Nel 1885 Nesterov la sposò a Mosca. I suoi genitori non benedirono l'unione, e non furono presenti al matrimonio. L'amore tra Nesterov e la sua sposa era intenso e commovente. Un anno dopo il loro matrimonio ebbero una bambina. Nesterov non fu mai così felice come in quel giorno. Tuttavia, solo un giorno dopo la nascita, sua moglie Maria morì di complicazioni di parto. Nesterov, distrutto dal suo dolore, prese a disegnare Masha infinite volte, risuscitandola nella sua memoria. Rimase per giorni interi al cimitero. Tre dei suoi quadri più famosi: la Risurrezione finale, la Sposa di Cristo e la Principessa sono tutti dedicati alla memoria di sua moglie.
La sposa di Cristo
La principessa
Dopo la tragedia, l'arte di Nesterov prese una svolta decisa verso temi più profondi ed effettivi. Il suo dolore non scomparve mai, ed è presente in quasi tutti i suoi successivi ritratti femminili. Così, per esempio, abbiamo i paesaggi silenziosi ne In montagna e in Inverno al monastero, dove le ragazze portano copricapi pesanti eseguiti nel "vecchio stile". Queste giovani donne "nesteroviane" sembrano non notare il mondo che le circonda. Invece, piangono qualcosa di profondo, e sembrano da qualche altra parte nei loro pensieri. Ma dove? Nel futuro? Il passato? Nessuno dei due. Piuttosto, in quel luogo dove risiederà la loro vera, eterna gioia.
In montagna
Inverno
Lo stesso tono commemorativo è presente nel dipinto La grande tonsura, per cui l'Accademia russa degli artisti ha ufficialmente introdotto Nesterov nelle proprie fila.
La grande tonsura
Vediamo un monastero dei vecchi credenti nei boschi. Una processione di donne, alcune già monache, alcune ancora postulanti. Stanno tenendo candele, preparandosi per la funzione della tonsura di una o più nuove monache. C'è un ritmo unico e particolare del ritratto, una sorta di rima tra le file di monache in vesti nere contro le colonne di betulle e il semplice legno delle celle monastiche. Lo spazio bidimensionale del dipinto è arricchito con questi ritmi e diventa un inno, come se guardandolo, potessimo sentire il canto monastico sullo sfondo. Ma non è la gioia che vediamo qui. È ancora un profondo dolore al momento del rifiuto del mondo, come se qualcosa di importante sia portato via, e non dato, all'anima. Questa eco di profonda tristezza è rimasta per lungo tempo nei suoi dipinti successivi.
"Il mio amore per Masha, e la sua perdita, hanno fatto di me un artista. Hanno inserito nella mia arte quell'elemento essenziale che le mancava. Hanno iniettato sia emozioni viventi sia un'anima vivente nelle mie immagini".
Così Nesterov stesso valutò questo tragico evento, molto più tardi nella vita.
Pochi anni dopo la morte di sua moglie, Nesterov si innamorò di un insegnante di nome Julija Nikolaevna Urusman. Non si sposarono mai, ma vissero insieme ed ebbero due figli – Vera e Mikhail. Il suo viso si può vedere in diversi dipinti.
Nel 1902, Nesterov si innamorò nuovamente di Ekaterina Petrovna Vasil'eva. Si sposarono e rimasero sposati per i successivi quarant'anni.
Nesterov parlò di questa parte tempestosa della sua vita nel modo seguente:
"Due passioni hanno governato tutta la mia vita. Un amore appassionato e una passione per l'arte. Se non fosse per queste due passioni, sarei stato il più ordinario degli uomini. Forse potrei essere stato anche un ignorante dannoso, un ubriacone o un fallimento totale".
Allo stesso tempo, durante tutta la sua vita, Nesterov ebbe un profondo senso della propria peccaminosità e spesso si pentì sinceramente, con dolore nel suo cuore:
"Il fatto che ho lasciato una famiglia e ne ho iniziato un'altra è stato il peggior peccato della mia vita... fino a questo giorno sento che questo peccato non è passato da me senza punizione".
Un tentativo di un nuovo tipo d' arte
Dopo il 1890 l'arte di Nesterov si volse in una nuova direzione. Cominciò a dipingere affreschi nelle chiese. Questa scelta avrebbe portato alle più dolorose denunce e a riconoscimenti, sia dalla comunità artistica che da quella ecclesiastica. Nesterov accettò l'invito di un famoso storico e professore d'arte presso l'Università di Kiev, Adrian Prakhov, a dipingere la cattedrale di san Vladimir. Va notato che la maggior parte dell'iconografia in questa chiesa fu dipinta dal contemporaneo di Nesterov, Victor Vasnetsov. Il contributo di Nesterov è leggero rispetto a quello di Vasnetsov. Dipinse le icone dei santi Cirillo e Metodio, di santa Barbara e poche altre.
Non sorprende che Nesterov non provasse la necessaria libertà artistica in questa situazione. In un primo momento, fu influenzato in modo visibile dal più audace stile di Vasnetsov. Più tardi, permise al comitato organizzatore di dettare il suo stile in una certa misura. Sentiva di essere spinto "nella direzione dello schema ufficiale ortodosso, una specie di routine accademica decadente". Fu soddisfatto solo dalle sue icone di santa Barbara e di san Gleb. "Era qualcosa che mi apparteneva", disse.
Era esattamente questo "appartenere a me" che preoccupava molti negli ambiti ecclesiastici. Padre Pavel Florenskij, famoso teologo e filosofo, pose la seguente domanda e non senza una buona ragione:
La sapienza conciliare della Chiesa non può fare a meno di chiedere a Vrubel, Vasnetsov, Nesterov e ad altri rappresentanti di questa nuova "iconografia", se capiscono o non capiscono che non stanno rappresentando qualcosa che hanno immaginato e creato, ma un certo tipo di realtà esistente. Devono sapere che o sanno dire la verità su questa verità (in questo caso stanno creando delle icone veramente originali), o stanno dicendo qualcosa di iniquo..."
In altre parole, Florenskij credeva che ciò che Vasnetsov, Nesterov e Vrubel stavano facendo nelle chiese fosse completamente al di là dei limiti dell'arte ecclesiastica. Credeva che stessero dando una "falsa testimonianza", cioè non dicendo la verità sul sacro.
Nesterov diede circa vent'anni della sua vita all'iconografia nelle chiese. Ricevette commissioni direttamente dalla famiglia reale, la più famosa delle quali è la chiesa della Protezione nel convento delle sante Marta e Maria a Mosca.
convento delle sante Marta e Maria
Nesterov dipinse gli affreschi di questa chiesa senza alcuna influenza esterna. I suoi dipinti più famosi (non sono proprio icone) su temi biblici si trovano qui.
Gli aspetti più interessanti di questo lavoro si trovano nei piccoli dettagli. C'è anche un'influenza pre-raffaelita, completa della propria devozione cultica alla bellezza raffinata. Nesterov ha creato una buona arte, ma non è mai riuscito a entrare nello spirito dell'iconografia, lo spirito del mistero divino. A differenza del suo capolavoro (Bartolomeo), l'uncreated non si univa con il creato. Il principio estetico non si intrecciava con quello spirituale. Nesterov, più tardi nella sua vita, ha capito questa limitazione della propria arte:
"Ho spesso pensato più tardi che non sono stato un grande iconografo. Fin dall'inizio sono stato un artista del cavalletto, dell'intimo".
Angeli nella chiesa della Protezione
La donna samaritana
Trittico del Getsemani
Il silenzio dell'artista
In verità, la migliore arte di Nesterov si trova ovunque egli sia più intimo, più in sintonia con le sue sofferenze personali. Uno dei suoi dipinti più suggestivi è Il silenzio, da lui dipinto nel monastero di Solovki.
Silenzio
Il quadro mostra la luce mistica delle "notti bianche" quando tutto il mondo cade in un silenzio immoto. Ma in questo silenzio della natura e dell'uomo è qualcosa di più grande, qualcosa che non può essere misurato con misurazioni fisiche. È possibile sentire questo silenzio, perché è come la voce sommessa nel vento, dove è il Signore (v. 1 Re 19:11-12)
Ne Il silenzio, in Bartolomeo e ne L'eremita, sentiamo il canto unico dell'arte di Nesterov, la sua versione della santa Rus'. La Rivoluzione ha tagliato quella melodia.
Dopo la Rivoluzione, egli non lasciò la Russia, a differenza di molti dei suoi amici. Nesterov amava troppo la Russia. Per molti anni, visse in grande difficoltà fino a quando non fu trasferito nella "Casa degli studiosi", che si prendeva cura delle esigenze degli scienziati e degli artisti.
La nipote di Nesterov, Maria Ivanovna Titova, ricorda: "Egli ha sopportato le autorità". Nel 1938, suo suocero fu giustiziato e sua figlia fu esiliata (ci volle molto sforzo perché si assicurasse del suo il ritorno). "Il lavoro, solo il lavoro ha ancora il potere di distrarmi dal crimine storico che è stato perpetrato", scrisse nei primi giorni della rivoluzione d'ottobre.
Nonostante la rivoluzione, non rifiutò completamente i suoi temi precedenti. Dipinse ancora monaci, giovani monache, anziani. Appropriatamente, dipinse il suo Giudizio Ultimo negli anni '20, anche se volle datarlo "1914". Tuttavia, questi dipinti erano oggetti personali che non erano esposti da nessuna parte.
Soffrì di una crisi di martirio insieme al suo paese mentre cercava di "trovarsi" nella nuova realtà sovietica. Non glorificò mai l'ideologia dei bolscevichi nella sua arte; invece, come molti altri, si guadagnò da vivere dipingendo ritratti. Nesterov ha lasciato non pochi splendidi ritratti di artisti e scienziati del tempo. Sono incredibilmente energici e impressionanti. Tra questi c'è il ritratto di Ivan Petrovich Pavlov (1935), per il quale Nesterov ricevette un premio di primo grado da Stalin stesso.
Nel 1935, finalmente concordò di esporre alcune delle sue opere successive, e i pezzi che scelse di esporre sono quasi esclusivamente ritratti. Sperava di esporre la sua ultima opera pre-rivoluzionaria, L'anima del popolo, che aveva finito nel 1916, ma questo non avvenne mai.
L'anima del popolo
Qui vediamo il tema della conciliarità (sobornost' in russo) – persone di secoli diversi, di diverse classi sociali; filosofi, scrittori sulla via che porta a Cristo. Questa è una grande processione di coloro che cercano Dio e i diritti dell'uomo. Nesterov ha lavorato su questo tema in diversi altri dipinti, tra cui Il percorso verso Cristo e La santa Rus'. È il tema più "nesteroviano" di tutti, in un certo senso, anche se probabilmente si può affermare che questi quadri non sono altrettanto efficaci come i suoi tranquilli anziani e le miti spose di Cristo. Come disse Gogol',
"Maggiore è la verità, più attenzione si deve fare con essa. Altrimenti, si trasformerà improvvisamente in un luogo comune, e la gente non crede nei luoghi comuni".
Conclusione
Nesterov ha vissuto una vita lunga, estesa e interessante. Ha avuto tutte le cose che il mondo pensa che portino alla felicità. Ha avuto una vita piena e creativa, una grande famiglia con forti radici. Tutte le sue figlie hanno vissuto a lungo. Olga Mikhajlovna ha vissuto 87 anni, Natalia Mikhajlovna 101, Vera Mikhajlovna 99. Tutte loro "hanno mantenuto le loro menti luminose e chiare fino all'ultimo giorno e sono state persone spirituali".
Tuttavia, nelle sue stesse parole:
Verrà presto il tempo in cui dovrò camminare oltre la soglia e giungere a conoscere la cosa più grande, la cosa più importante. Ma sono pronto per questo? Temo di non esserlo e temo che non sarò pronto fino all'ultimo momento. E questo è un male. La mia vita si rivelerà affrettata, come un progetto rudimentale. E nel frattempo, ognuno di noi sa quanto abilmente e in modo capace i nostri santi hanno incontrato questo momento. E non solo i santi, ma anche i nostri antenati!"
Alla fine, Nesterov capì che, anche se si era dedicato alla conoscenza di "questa cosa più grande, la cosa più importante", essa poteva essere capita solo nella vita successiva. Il tema di Bartolomeo è l'intersezione del terreno e del celeste, e questo è il tema che è rimasto il più importante nel lavoro della sua vita e nell'impegno della sua anima.
"Non sono io che vivrò, ma Il giovane Bartolomeo". Questa è l'ultima volontà creativa e il testamento di Mikhail Nesterov.
L'autore di questo articolo, Nicholas Kotar, di famiglia russa con origini montenegrine, scrive in inglese libri di fantasy epica ispirate alle fiabe popolari russe, cercando di portare elementi ancora sconosciuti della storia e della cultura ortodossa russa a conoscenza del pubblico di lingua inglese.
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